127 Brotherhood - New Order

Purchased  :   14  July  1989

Tracks : Paradise / Weirdo / As  It  Is  When  It  Was / Broken  Promise / Way  Of  Life / Bizarre  Love  Triangle / All  Day  Long / Angel  Dust / Every  Little  Counts 

Perseverance  brings  its  own  reward  and  my  next  visit  to  Soundsearch  yielded  up  this  one  for  £4.00, another  case  of  catching  up  on  a  1986  release  that  I  couldn't  afford  at  the  time.

New  Order's  fourth  album  was  recorded  at  a  difficult  time  for  the  band. Their  previous  LP  the  excellent  "Low  Life"  had  sold  poorly  and  failed  to  yield  any  Top  40  singles   ( though  the  standalone  single  "Shell  Shock" had  scraped  into  the  Top  30  in  April  1986 ). Local  bragging  rights  and  leadership  of  the  indie  scene  had  passed  to  The  Smiths; there  was  little  trace  of  their  influence on  C86. The  money  they  were  earning  was  being  channelled  into  an  underperforming  night  club. On  top  of  all  that   their  gigs  were  acquiring  a  reputation  for  violence.

Some  of  that  uncertainty  seems  to  leak  into  the  opener  "Paradise"  an  obsessive  love  song  to  someone  called  Jolene  alternating  between   threat  and  mourning. For  most  of  the  track  Sumner  provides  two  vocals, one  low  and  deadpan,  the  other  keening  and  desperate  as  in  the  chorus  where  Sumner  one  howls  "I  want  you  I  need  you"  and  Sumner  two  growls  a  sardonic  "Sha  la la  la la". Stephen  Morris  leads  the  attack  in  the  music  with  some  of  his  most  ferocious  rock  drumming  while  conversely  Hook  supplies  perhaps  the  most  melancholic  of  all  his  basslines; the  little  solo  he   plays  is  ineffably  sad. It's  probably  the  best  opening  track  of  all  their  LPs.

Hook  is  prominent  again  on  the  following  track  "Weirdo"  which  bears  a  strong  resemblance  to  his  successor  band  Monaco's  What  Do  You  Want  From  Me . Beginning with   the  shortest  of  intros  it  's  a  brash  and  noisy  guitar  thrash  and  again  has  a  twin  vocal  from  Sumner ( which  isn't  as  effective  here ) . The  lyric  is  pretty  meaningless  and  the  whole  track  is  a  bit  hollow.

"As  It  Is  When  It  Was"  seems  to  be  about  not  getting  the  response  you  were  looking  for  on  meeting  up  with  a  childhood  friend. It  starts  with  an  untypical   pretty  acoustic  passage  before   Hook  and  Morris  kick  in   and  give  the  song  some  bite. The  sound  builds  to  a  cacophony  for  the  last  verse  which  draws  your  attention  to  the  fact  that  the band's  production  is  a  bit  murky  throughout  the  LP.

It  has  been  speculated  that  "Broken  Promise"  is  addressed  to  Ian  Curtis  and  it's  certainly  possible  to  make  that  construction  from  the  lyric  with  "There's  a  shadow  of  another  hanging  over  me"  and  frequent  references  to  the  afterlife. The  intro's  noticeable  similarity  to  Isolation  is  another  clue  though  thereafter  it's  a  close  cousin  to  the  previous  LP's  "Sunrise" in  its  mood  of  rising  desperation.

"Way  Of  Life "  rounds  off  side  one  with  a  song  of  angry  rejection  by  someone  who  knows  he's  been  lied  to.  Despite   this , after  the  pounding  intro  which  threatens  another  Atrocity  Exhibition   the  mood  of  the  track  is  upbeat  with  the  most  melodic  chorus  on  the  album  and  some  pretty  acoustic  flourishes  in  the  mix.

"Bizarre  Love  Triangle "  I've  already  covered  in  the  "Substance"  post.

"All  Day  Long"  is  something  of  a  departure  for  the  band  in  confronting  a  social  issue  straight  on, the  abuse  and  murder  of  a  child  known  to  the  narrator. Whether  Sumner  based  it on  a  real  personal  acquaintance  isn't  known. The  narrative  is  over  and  done  with  in  the  first  couple  of  minutes  making  way  for  an  extended  instrumental  passage  of  great  beauty  and  drama with  an  extended  bass  solo  from  Hook  and  a  number  of  Kraftwerk  synth  lines. It's  probably  their  most  under-rated  song.

"Angel  Dust "  just  begs  a  drug  interpretation  with  lyrics  like  "You  came  here  to  steal  my  freedom ". It  repeats  the  pattern  of  the  previous  track  with  the  last  words  coming  at  the  midway  point  and  then  a  long  dark  instrumental  passage  with  strings, Arabic  wailing  and  a
singing  guitar  solo  over  the  twitching  synth  pulse.

That  just  leaves  the  curious  "Every  Little  Counts "  which  really  does  sound  like  they  were  messing  around  with  a  pastiche  of  Walk On  The  Wild  Side  - Sumner  breaking  down  into  Elvis -style  giggles  while  intoning  the  nonsense  lyric  of  the  first  verse - before  deciding  it  stood  up  as  a  song. After  an  unexpected  false  ending  the  synth  starts  playing  a  melody  not  too  far  removed  from  Decades   before  a  final  piece  of  japery  ( which  probably  doesn't  work  so  well  on  cassette or  CD ) - the  sound  of  a  stylus  skidding  across  the  grooves  - brings  it  to  an  abrupt  halt.

"Brotherhood"  is  the  work  of  a  band who,  having  made  a  great  LP  which  didn't  sell, were  not  quite  sure  how  to  improve  on  it. It  would  take  an  outside  producer  to  help  them  out  of  the  hole  and  restore   their  standing. That  said  it's  still  a  pretty  good  album.
 

126 The Summer Collection - Donna Summer

Purchased  :  7  July  1989

Tracks :  She  Works  Hard  For  The  Money / Bad  Girls / On  The  Radio / Stop Look And  Listen / Last  Dance / MacArthur  Park / Heaven  Knows / Unconditional  Love / I  Love  You / No  More  Tears  ( Enough  Is  Enough )

This  was  purchased  from  Soundsearch  on  cassette  for £2.99  or  thereabouts. I  think  it  was  a  case  of   my  having  gone  in  there, not  finding  anything  exciting  but  not  wanting  to  leave  empty-handed.

I  was  a  big  fan  of  Donna's  in  the  late  seventies  from  "I  Feel  Love "  which  sounded  like  nothing  I'd  ever  heard  before   but  that  and   a  number  of  other  big  hits  from  that  period  are  absent  here. Instead  there  are  three  tracks  from  her  1983  LP  "She  Works  Hard  For  The  Money "  by  which  time  I'd  lost  interest  in  her . It  makes  this  a  schizophrenic  album  but  there  were  at  least  two  great  tracks  to  make  it  a  worthwhile  purchase.

The  main  reason  for  the   odd  track  selection  is  the  complicated  history  of  Donna's  labels. In  the  USA  all  her  early  records  were  released  on  Casablanca  but  in  Europe  they   were  licenced  to  a  number  of  other  labels  such  as  GTO  in  Britain  until  1978  when  Casablanca  ended  the  arrangement. By  that  time  she'd  already  had  the  biggest  hits  of  her  career  in  Britain. Then  in  1980  she  left  the  label  for  mixed  fortunes  on  Geffen.  Casablanca  was  then  bought  out  by  Polygram  who  inherited  a  huge  financial  mess. Their  lawyers  found  that  Donna  still  owed  Casablanca  another  album ; fortunately  she  already  had  enough  material  in  the  can  that  Geffen  didn't  like  so  she  was  allowed  to  use  that  to  make  up   "...Money". Confusingly  Polygram  then  put  it  out  on  another  label  they'd  acquired, Mercury, presumably  because  of  Casablanca's  negative  associations  with  drugs  and  excess. Donna  then  returned  to  Geffen  and  Polygram / Mercury  put  this  out late  in  1985 from  the  tracks  they  had  easy  access  to  as  the  last  drops  to  be   squeezed  from  Casablanca's  main  cash  cow.

Even  so,  having  3 out  of  the  10  tracks  from  her  most  recent  LP  ( as  with  Eponymous )  and  just  one  from  her  ambitious  1977  double  album  "Once  Upon  A  Time"  is  a strange  and  disappointing  decision.

Anyway  "She  Works  Hard  For  The  Money"  is  the  first  track  , a  huge  hit  in  the  State  it  was a  modest  25  over  here  despite  tons  of  airplay  in  summer  83. Co-written  with  producer  Michael  Omartian  it's  a  tribute  song  to  blue  collar  women  ( not  about  prostitution  as  many  speculated )  set  to  a  sequencer  pulse  very  similar  to  the  contemporary  Maniac  by  Michael  Sembello. Donna's  voice  sounds  surprisingly  low  in  the  mix  and  a  bit  cramped  if  truth  be  told. It's  also  got  a  pretty  boring  chorus  so  I  think  we  called  it  right.

"Bad  Girls "  from  the  album  of  the  same  name  ( from  whence  also  came  the  omitted  "Hot  Stuff ")  was  one  of  the  biggest  hits  of  her  career  in  the  States,   a  number  one  compared   to  14  here  where  it  was  rubbished  by  John  Lydon  during  his  infamous  appearance  on  Juke  Box  Jury  in  1979.  Co-written  with  the  male  vocal  group  Brooklyn  Dreams  it's  a  solid  slice  of  Chic-like  funk  with  police   whistles  and  a  backing  chant  of  "Beep  Beep  Yeah"  for  hooks. The  actual  song , which  is  definitely  about  prostitution , is  rather  slight.

"On  The  Radio "  was  a  new  track  which  gave  its  name  to  a  1979  compilation  put  out  to  mark  her  original  departure  from  Casablanca. It  also  featured  in  the  1980  film  Foxes. It  didn't  make  the  Top  30  here  but  reached  5  in  the  States. A  Summer / Moroder  composition  it  follows  the  Love  Hangover  template  of  starting  out  as  a  soul  ballad  and  then  morphing  into  a  disco  workout.  It  concerns  a  woman  hearing  an  anonymous   love  letter  read  out  on  the  radio  and  appropriating  it  to  herself. Donna's  voice  is  magnificent  throughout  and  it's  probably  her  most  under-rated  single.

"Stop  Look  And  Listen"  was  another  single  from  "She  Works  Hard  For  The  Money"  but  didn't  really  do  much  business  anywhere  peaking  at  57  in  the  UK  in  1984. Written  by  Summer  and  Omartian  it's  a  plea  for  greater  social  awareness  sparked  by  seeing  a  homeless  man  on  the  streets  set  to  a  stilted  electro-funk  backing  with  a  wobbly  bassline  and  plenty  of  fake  brass.  Summer's  vocal  gives  it  some  class  but  lacking  a  strong  chorus  it  outstays  its  welcome.

"Last  Dance "  is  from  the  1978  disco  film  Thank  God  It's  Friday  in  which  Donna  has  a  small  part.  It  won  an  Oscar - the  song  not  her  acting. It  was  written  by  Paul  Jabara.  Giorgio  Moroder  apparently  disliked  the  song  and  his  kitchen  sink  production  only  emphasises  how   weak  it  actually  is. The  British  public  seem  to  have  shared  his  reservations  and  it  stalled  at  51.

By  contrast  you  don't  get  songs  much  stronger  than  "MacArthur  Park "  and  Donna's  version  gave  her  a  first  number  one  in  the US  and  restored  her  to  the  Top  5  over  here  in  1978. I  wasn't  familiar  with  the  Richard  Harris  version  when  it  first  came  out  but  loved  this  . It  was  also  in  the  charts  at  a  very  happy  time  in  my  life  so  it  was  one  of  the  main  spurs  to  buying  this  LP.  I  would  say  it's  a  contender  for  best  cover  ever. Moroder  and  Bellotte's  production  is  superb  with  the  orchestral  flourishes  and  mid-song  synth  break  and  the  brass  breaks  which  sound  like  they're  going  to  morph  into  the  hallowed  Pearl  and  Dean  theme  from  70s  cinema  breaks  give  it  an  extra  Proustian  rush. Donna's  vocal  is  beyond  perfect  ( and  anything  in  Houston  or  Carey's  repertoire )  - the  way  she  glides  from  an  anguished  "On  no"  at  the  end  of  the  second  chorus  into  a  "yee-ha !"  to  herald  the  synth  break  is  just  thrilling  ( what  another  blogger  would  call  the  punctum ).  With  the  exception  of  this  compilation's  closing  track  she was  right - she  never  would  have  that  recipe  again.

"Heaven  Knows" was  on  the  same  "Live  And  More" LP  and  released  as  a  follow  up  single  but  it's  very  much  a  case  of  after  the  lord  mayor's  parade  and  it  didn't  make  the  Top  30  here. Donna  wrote  it  with  Moroder  and  Bellotte  and  performed  it  with  the  Brooklyn  Dreams. Their  Joe  Esposito  is  the  second , Bob Seger-ish   lead  on  the  track.  That  apart  it's  the  sort  of  unexceptional   disco  workout   that  was  beginning  to  sound  a  bit  tired  by  1979  with  Chic  in  their  pomp.

"Unconditional  Love "  is  the  third  1983  track  here, a  pop-calypso  number  recorded  with  temporary  teen  sensations  Musical  Youth   whose  fortunes  were  already  fading  by  the  time  it  was  released  ( this  was  to  be  their  last  appearance  in  the  Top  20 ).  Their  contribution  is  substantial  so  it  was  rather  ungenerous  not  to  credit  them  on  the  label; it's  very  unlikely  that  it  would  have   reached  number  14  in  the  UK  without  them. It's  pleasant  enough  in  its  woolly  liberal  unthreatening  way  although  coming  from  two  non-Rastafarians  ( Summer  and  Omartian )  the  referenes  to  "Ja's  love "  are  a  bit  jarring  if  you'll  excuse  the  pun.

"I  Love  You" was  the  first  UK  release  on  Casablanca  and  released  while  the  last  GTO  single  "Love's  Unkind"  was  riding  high  in  the  charts. Its   premature   release  may  have  deprived  Donna  of  the  honour  of  dethroning  Mull  of  Kintyre   which  instead  went  to  Althia  and  a  different  Donna.  Despite  the  uninspiring  title  and  chocolate  box  storyline  it's  an  interesting  track  with  Moroder  and  Bellotte's  production  halfway  between  the  robotic  brutalism  of  "I  Feel  Love  "  and  the  cinematic  sweep  of  "Macarthur  Park".

That  just  leaves  "No  More  Tears  ( Enough  Is  Enough ) " a  real  clash  of  the  titans. Tin  Pan  Alley  meets  operatic  disco  as  Donna  duets  with  Barbara  Streisand  and  stays  with  her.  The  song  is  roughly  a  game  of  two  halves  starting  in  Streisand's  comfort  zone   then  shifting  gear  into  a  Hi-NRG  workout . Both  women  more  than  acquit  themselves  in  each  others'  territory  and  it's  endlessly  fascinating  working  out  who's  doing  what. It's  also  a  strong  song  , an  empowerment  anthem  ( albeit  written  by  two  blokes ) about  cutting  your  losses  and  walking  out  on  an  unsatisfactory  man. The  best  bit  is  when  it  quietens  down  three  quarters  of  the  way  in  and  then  both  women  build  it  back  up  again  to  the  shouty  climax. Kept  off  the  top  here  at  the  end  of  1979  by  Pink  Floyd  and  Abba   it  went  to  number  one  in  the  US  but  has  been  strangely  neglected  since  perhaps ( like  Under  Pressure )  for  lack  of  a  video. They  did  a  brief  photoshoot   together  but  never  performed  with  each  other.

There  are  better  compilations  of  Donna's  work  than  this  especially  as  she  had  more  hits  after  it  was  released  but  it  added  two  great  songs  to  my  collection  at  a  discount  price  so  it  did  the  job.       

 




 

125 The Wishing Chair - 10, 000 Maniacs

Purchased :  10  June  1989

Tracks : Can't  Ignore  The  Train / Just As  The  Tide  Was  A  Flowing / Scorpio  Rising / Lilydale / Maddox  Table / Everyone  A  Puzzle  Lover / Arbor  Day / Back o' the  Moon / Tension  Makes  A  Tangle / Among  The  Americans / Grey  Victory / Cotton  Alley  / My  Mother  The  War

This  was  another  inevitable  purchase, the  album  that  preceded  "In  My  Tribe "  ordered  from  Save  Records  in  Rochdale  for  £6.99

"The  Wishing  Chair "  was  their  first  LP  for  Elektra  released  in  September  1985. It  was  recorded  in  London  and  there  are  two  important  personnel  changes  from  the  subsequent  albums  we've  discussed. The  first  is  the  producer  ; here  it's  Joe  Boyd,  fresh  from  REM's  Fables  Of  The  Reconstruction  and  with  a  long  track  record  in  English  folk  rock. At  this  point  also  the  band  were  a  sextet  featuring  an  additional  guitarist  John  Lombardo  who  had  a  hand  in  writing  most  of  the  songs. For  both  of  these  reasons  "The  Wishing  Chair "  is  a  different  beast  to  its  successors  ; the  sound  is  denser, more  "indie", less  pop. Add  to  that  Natalie  Merchant's  murkier  vocal  tone  and  opaque  lyrics  and  this  is  a  harder  album  to  tackle. It's  notable  they  played  no  more  than  two  of  these  songs  when  I  went  to  see  them.

"Can't  Ignore  The  Train "  a  Merchant  / Lombardo  opens  the  LP  at  a  brisk  pace  with  nice  guitar  work  and  an  attractive  tune  which  Merchant  does  her  best  to  thread  her  words  into  in  true  Morrissey  fashion  leading  to  some  odd  phrasing  at  times. Much  of  the  lyric  is  impenetrable    -"through  adventure  we  are  not  adventuresome"  anyone  ? - but  the  general  gist  is  the  inevitable  march  of  time  leaving  the  protagonist  "sitting  in  the  wishing  chair ". Though  it  did  little  business  as  a  single  it  gets  the  LP  off  to  a  good  start .

"Just  As  The  Tide  Was  A  Flowing "  is  a  traditional  tune  about  a  sailor's  wife  left  feeling  abandoned.  It's  a  lovely  arrangement  with  Jerry  Augustyniak's  drums  powering  the  song  up  again  each  time  the  title  phrase  concludes  a  stanza  close  and  the  middle  eight  bringing  in  Dennis  Drew's  organ  and  an  uncredited  recorder  solo  to  good  effect. Merchant  sings  it  in  a  strident  tone  which  is  fine  but  every  so  often  there's  an  odd  vowel  sound - "singeng " "hah" for  "hair" -  which  makes  you  wonder  if  she's  doing  it  deliberately.

"Scorpio  Rising "  was  the  other  single  though  not  such  an  obvious  choice. It's  built  around  Steve  Gustafson's  melodic  bassline  reminding  you  that  these  guys  were  Anglophile  Joy  Division  fans. Just  over  two  minutes  in  Buck  ( a  co-composer  with  Merchant  and  Lombardo )  breaks  out  with  a  scorching  solo  which  suggests  the  power  relationships  in  the  band  were  different  at  this  time. Merchant's  lyric  protesting  at  abusive  treatment  points  the  way  towards  Tori  Amos  and  Alanis  Morrisette.

"Lilydale "  is  interesting  in  that  it's  a  song  about  walking  through  a  cemetery  that  predates  the  Smiths'  Cemetery  Gates.  It's  a  gentler  folkier  tune  composed  by  Merchant  and  Buck  with  the  latter  again  garnering  a  solo,  this  time  an  intricate  acoustic  passage.

"Maddox  Table"  is  a  solo  Merchant  effort  about  a  man  who  spent  his  working  life  at  a  furniture  makers  and  is  played  at  a  brisk  pace  necessarily  to  fit  all  her  lyric  in. There's  a  great  moment  at  1: 28  when  she  pauses  for  breath  and  the  guys  stop  along  with  her ; I  wonder  if  she  got  the  joke ? The  twin  guitars  of  Lombardo  and  Buck  are  fantastic  here, worthy  of  Johnny  Marr  at  his  best.

"Everyone  A  Puzzle  Lover "  is  a  Merchant- Lombardo  song  and  even  more  verbose. After  two  verses  pondering  why  some  people  are  born  to  success  and  others  hardship  it  switches  to  a  personal  account  of  a  grandfather's  last  words. It's  mid-paced  with  Buck's  mandolin  and  Drew's  accordion  the  dominant  instruments  and  imbuing  the  last  verses  with  appropriate  sensitivity. The  song  could  probably  have  been  improved  by  a  chorus.

The  brief  "Arbor  Day "  is  another  solo  Merchant  effort . Drew  stays  on  the  accordion  and  it's  played  in  waltz  time. Merchant  sings - with  more  bizarre  pronunciations - of  some  subversive writer  detailing  turbulent  times.  I've  a  feeling  I  should  know  who  or  what  inspired  it  but  I  haven't  cracked  the  code  yet.   

"Back o' the  Moon " seems  to  be    a  guide  to  life   from  an  old  man  to  a  young  girl  Jenny  whose  name  is  used  for  musical  punctuation. Again  it's  very  dense  and  wordy.  Drew  co-wrote  it  with  Merchant  but  it's  Buck's  mandolin  that  dominates  the  track.

"Tension  Makes  A  Tangle "  is  a  re-recording  of  a  song  from  their  indie  days. It's  a  stream  of  consciousness  poem  about  family  tragedies  and  triumphs  which  Merchant  ploughs  through  with  her  odd  vowels  seemingly  oblivious  to  what  the  musicians  are doing  behind  her. Around  a  basic  acoustic  strum  Drew  and  one  of  the  guitarists  seem  to  be  in  a  duel  who  can come  up  with  the  best  approximation  of  whalesong. It's  the  oddest  track  on  the  LP.

"Among  The  Americans"  has  the  most  straightforward  lyric  about   historic  Native  American  displacement  and  veers  between  drone-y  Cocteau  Twins  dream  rock  and  their  more  usual  upbeat  folk-pop  but  again  a  proper  chorus  would  have  given  it  greater  impact.

"Grey  Victory "  describes  the  effects  of  the  Hiroshima  bomb  in  the  style  of  a  Wilfrid  Owen  poem. Her  graphic  lyrics  e.g  "evil  debris  of  human  bodies " are  an  uncomfortable  fit  with  the  breezy  music  where  Buck  plays  looping  Robert  Smith  solos  over  Lombardo's  chiming  arpeggios.

"Cotton  Alley " is  an  account  of  (rather  rough)  childhood  teasing  possibly  leading  up  to  a  loss  of  virginity  in  the  titular  location. The  sepia-toned  music  has  Augustyniak  playing  brushes   behind  Drew's  woozy  organ  and  the  mixed-down  guitars  although  Merchant  doesn't  soften  her  tone  to  match.

The  album  concludes  with  another  re-recorded  song  "My  Mother  The  War "  probably  the  most  celebrated  song  from  their  early  days  and   a  live  staple. There's  a  strong  Joy  Division  influence  in  Gustafson's  melodic  bassline  and  Augustyniak's  upfront  drumming. Merchant  delivers  a  non-judgemental  lyric  about  an  army  mother  but  the  key  player  here  is  Buck whose  atonal  screeching  guitar  tells  you  what's  really  going  on  wherever  her  son  is  posted.

Some  fans  dislike  the  polished -up  sound on  "In  My  Tribe"  and  cite  this  album as  their  favourite. I  think  it's   a  bit  heavy-going  by  Side  Two  where  I  find  myself  just  waiting  for  the  last  song  but  it  is  more  consistent  than  "Blind  Man's  Zoo"  and  a  worthy  addition  to  the  collection.

124 Peter Gabriel (3)

Purchased  : May  1989

Tracks : Intruder / No Self-Control / Start / I  Don't  Remember / Family  Snapshot / And  Through  The  Wire / Games  Without  Frontiers / Not  One  Of  Us / Lead  A  Normal  Life / Biko

This  was  another  purchase  from  Britannia.

Here  I  come  up  against  the  TPL  conundrum. It's  fine  if  I  get  to  an  LP  before  Marcello  does  but  if  it's  the  other  way  round  he  doesn't  leave  much  to  say  and  I  tend  to  assume  anyone  coming  here  also  goes  there  though  I  don't  imagine  the  reverse  is  true.

Anyway  this  was  the  third  of  Peter  Gabriel's  pre-So  self-titled  albums , also  known  unofficially  as  "Melt" for  the  front  cover , and  the  biggest  seller  due  to  its  big  hit  single. It  was  released  in  May  1980  and  gave  Peter  his  first  number  one  record. It's  also  notable  for  its  eclectic  roster  of  guest  stars.

The  opening  track  "Intruder "  is  said  to  be  the  first  track  to  feature  the  "gated"  drum  sound  popularised  by  the  man  on  the  sticks  here  Phil  Collins. He  opens  the  song  with  a  typically  thunderous  drum  pattern  which  remains  the  backbone  of  the  song. Gabriel  adopts  a  proletarian  accent  for  his  first  person  account  of  a  burglar  breaking  into  a  rich  couple's  house  for  the  thrill. The  music  tells  the  story  from  the  point  of  view  of  the  occupants  , striving  to  re-create  the  unsettling  feeling  that  there's  an  alien  presence  in  the  home  with  creaks  and  scrapes,  an  unhinged  xylophone  solo  and  scary  backing  vocals  ( pilfered  wholesale  by  Tears  For  Fears  on  The  Prisoner   and  this  isn't  the  only  track  they  were  listening  to ).

"No  Self  Control"  was  the  second  single  from  the  LP  and  reached  number  33  which  was  pretty  good  going  for  an  utterly  undanceable  song  about  mental  illness  with  no  real  chorus. Collins  sticks  around  but  he's  not  there  for  the  whole  song  as  the  quiet  verses  are  set  to  a  bubbling   rhythm  played  on  marimbas. Robert  Fripp  supplies  the  needling  guitar  and  Gabriel's  friend  Kate  Bush  echoes  his  declaration  of  the  title  as  Collins  cuts  loose  in  his  own  inimitable  style. It's  heady  stuff  but  does  lack  any  hook  that  you  could  really  remember  the  song  by.

Start  is  a  brief  saxophone  instrumental  played  by  jazz  legend  Dick  Morrissey.  It  sounds  more  like  the  coda  at  the  end  of  a  song  rather  than  the  beginning  which  may  be  the  joke.

"I  Don't  Remember"  could  be  about  amnesia  but  is  more  likely  about  a  man  under  interrogation. It's  a  crunching  modern  rock  song  that  could  just  as  easily  been  on  Bowie's  Scary  Monsters. XTC's  Dave  Gregory  makes  his  presence  felt on  guitar, Tony  Levin's  Chapman  Stick  gives  the  track  a  queasy  feel with  Gabriel's  wordless  wails  subtly  suggesting  a  move  onto  actual  torture. It  was  a  non-charting  fourth  single  release  in  1980  but  a  live  version  scraped  the  bottom  end  of  the  charts  three  years  later.

"Family  Snapshot"  is  an  account  of  the  Kennedy  assassination  from  the  point  of  view  of  Oswald. It  has  a  tripartite  structure  beginning  as  a  piano  ballad  as  Oswald  awaits  the  President's  arrival  then  becomes  more  threatening  as  the  cars  arrive  and  Jerry  Marotta's  drums  and  Morrissey's  sax  point  the  way  to  the  tragedy. After  the  line  "I  let  the  bullet  fly"  it  all  dies  down  again  to  John  Giblin's  bass  and  a  little  quiet  synth  as  Gabriel  finds  the  attention-seeking  little  boy  in  Oswald's  motivations. Tears  For  Fears  listed  it  as  one  of  their  favourite  songs  in  an  early  interview  for  Smash  Hits  and  it's  not  hard  to  join  the  dots.

"And  Through  The  Wire" features  the  most  surprising  guest  player  Paul  Weller  on  guitar. This  wasn't  mentioned  at  all  in  Paul  Honeyford's  book  on  The  Jam  so  his  name  on  the  credits  was  a  real  surprise  to  me. Apparently  The  Jam  were  working  on  Sound  Affects  in  the  same  studio  and  Weller  was  invited  to  contribute. It's  a  bracing  listen  with  Weller's  power-chording  and  Marotta's  cowbell  combining  with  a  half-snarled  vocal to  abrasive  effect. It  seems  to  be  about  the  inadequacies  of  a  relationship  by  telephone.

Side  Two  starts  with the  incomparable  "Games  Without  Frontiers", an  anti-war  song  that  mocks  militarism  by  comparing  the  mentality  to  children's  games  and  the  mindless  TV  game  show  It's  A  Knockout  ( Gabriel  must  be  glad  he  didn't  namecheck  Stuart  Hall ) .  Kate  Bush  turns  up  again  to  sing  the  refrain  "Jeux Sans  Frontiers"  as  Gabriel  recites  the  nursery  rhyme  lyrics. The  arrangement  is  superb  with  Marotta's  percussion  working  with  David  Rhodes's needling  guitar  and  Larry  Fast's  synths  to  conjure  up  a  sinister  atmosphere  before  a  brief  whistled  melody  ( c/o  Gabriel  and  producers  Hugh  Padgham  and  Steve  Lillywhite )  leads  into  the  agonised  chorus. A  number  4  hit  in  February  1980  it  should  have  gone  at  least  3  places  higher.

"Not  One  Of  Us"  is  pretty  clearly  about  prejudice  and  discrimination  and  with  Fripp  back  on  board  is  noisy  and  rocky. Marotta  pounds  away  throughout  sounding  not  unlike  XTC's  Terry  Chambers  . For  me  it's  one  of  the  weaker  tracks  with  an  unsubtle  chanted  chorus.

"Lead  A  Normal  Life " is  mainly  a  quiet  instrumental  with  piano  and  percussion   supporting  a  simple  Satie-esque  melody   and  one  verse  about  life  in  a  psychiatric  hospital. After  that  synth  noises  and  distant  drumming  hint  that  all  is  not  well  beyond  the  visitors  suite.

"Biko"  was  Gabriel's  muleheaded  choice  as  third  single  and  was  partly  vindicated  by  its  Top  40  placing. It's  a  slow  unremitting  protest  song  about  the   black  activist  murdered  in  South  Africa  three  years  earlier,  resting  on  a  simple  percussion  hook  ( again  pilfered  by  Tears  For  Fears  for  Ideas  As  Opiates ) . Collins  returns  halfway  through  the  song  to  play  the  surdo   ( a  huge  bass  drum  usually  used  in  samba )  while   Gabriel  recounts  the  story  in  his  most  impassioned  tones  augmented  by  Larry  Fast's bagpipes ( on  paper  an  unlikely  combination  but  it  works ). The  song  is  bookended  by  snatches  of  the  African  song  of  defiance  "Senzeni  Na " which  was  sung  at  Biko's  funeral. With  due  regard  to  George  Harrison  the  road  to  Live  Aid  began  here. As  a  single  it  baffled  me  but  it  makes  more  sense  in this  context.

As  Marcello's  piece  said  this  album  was  recorded  in  a  febrile  threatening  time  and  impressively   reflects  that. It  doesn't  make  it  an  album  for  all  seasons and  no  doubt  many  of  those  converted  by  So  recoiled  when  this  went  into  the  CD  player  (which  might  be  justification  enough).

That's  where  we  leave  Peter  in  this  story. Although  his  1992  comeback  single  "Digging  In  The  Dirt"  was  a  belter  the  next  one  Steam  was  so  blatantly  a  rewrite  of  "Sledgehammer"  that  it  killed  any  interest  in  its  parent. As  to  PGs  1,2 & 4  if  I'd  seen  one  of  them  in  a  sale I  would  probably  have  taken  a  punt  but  that  simply  never  happened .

123 Blind Man's Zoo - 10,000 Maniacs

Purchased  :  20  May  1989

Tracks : Eat  For  Two / Please  Forgive  Us / The  Big  Parade / Trouble  Me / You  Happy  Puppet / Headstrong / Poison  In  The  Well / Dust  Bowl / The  Lion's  Share / Hateful  Hate / Jubilee

It  was  an  absolute  no  brainer  that  I  would  purchase  this  from  one  of  the  Manchester  stores  as  soon  as  it  came  out. Shortly  afterwards  I  saw  them  at  Manchester  Free  Trade  Hall, one  of  my  first  drives  into  the  big  city,  made  unnecessarily  fraught  by  my  not  knowing  how  to  use  the  de-mister  properly. Parking  up  was  also  a  bit  of  a  problem  as  there  was  a  big  Barry  McGuigan  fight  in  the  city  on  the  same  night. The  policeman  I  asked  for  advice  recognised  me  from  Spotland.   The  gig  was  great  and  a  few  weeks  later  it  was  broadcast  on  ITV;  so  far  it  hasn't  surfaced  on  youtube.

"Eat  For  Two"  was  inspired  by  Natalie  Merchant's  own   anxieties  when 15  over  a  broken  condom  during  sex  with  a  22  year  old  "boyfriend" as  revealed  in  an  interview  in  The  Guardian. I  must  confess  to  being  pretty  shocked ; at  this  time  I  was  very  prone  to  thinking  along  that  madonna / whore  axis  and  I  had  Natalie  very  much in  the  former  category. Despite  opening  with  a  very  spiky  one-note  guitar riff  from  Robert  Buck  it  blossoms  out  into  a  typically  warm  folk-pop  song  with  a  mournful  melody. Natalie's  empathy  with  the  impending  teenage  mum  is  obvious  and  is  complemented  by  Drew's  piano  and  Jevetta  Steele's  backing  vocals. It  was  my  favourite  single  of  1989  though  not  a  hit  ( a  disconnect  that  would  become  all  too  common  in  the  coming  decade ) .

Whereas   "Eat  For  Two"  would  fit  easily  on  "In  My  Tribe"  , "Please  Forgive  Us"  is  the  first  evidence  of  this  LP's  shift  away  from  personal  topics  to  taking  more  obvious  political  stances. The  lyric  is  an  extended  apology,  presumably  to  Nicaragua  from  liberal-minded  America,  for  the  Contragate  scandal   which  is  fine  except  that  it's  clumsily  expressed -"the  billets  were  bought  by  us, it  was  dollars  that  paid  them"  and  barely  attached  to  Robert  Buck's  music. an  all-purpose  jangle  that  doesn't  go  anywhere. It's  simply  boring  and  a  bit  of  a  shock  that  they  could  produce  something  so  uninspiring.

"The  Big  Parade "  is  a  bit  better, a  fairly  literal  account  of  a  young  man  visiting  the  Vietnam  memorial  in  Washington  DC  where  his  father's  name  is  inscribed. It's  set  to  an  appropriately  funereal  dirge  with  rich  Hammond  chords  from  Drew  and  parade  ground  drumming  from  Jerome  Augustyniak  for  which  he  got  the  co-writing  credit. It's  still  a  case  of  "less  words , more  tune"  please.

"Trouble  Me"  was  the  lead  single   and  a  respectable  hit  in  the  States  though  not  here. Essentially  it  carries  the  same  message  as  Bridge  Over Troubled  Water  but  it's  set  to  such  a  pallid  light  funk-pop  backing and  insipid  tune   that  the  line  "let  me  send  you  off  to  sleep"  acquires  an  unintended  meaning. The  video  with  a  beaming  Natalie  spending  quality  time  with  her  granny  ( the  rest  of  the  band  are  conspicuously  absent )  highlights  the  problem  many  have  with  her  - that  self-conscious  "worthiness"  that  informs  much  of  her work.

"You  Happy  Puppet"  at  least  allows  for  some  ambiguity. It  could  be  addressed  to  the  politically  unaware  consumer  or  someone  who  doesn't  realise  they're  in  a  manipulative  relationship. Musically  it's  a  close  cousin  to  "What's  The  Matter  Here "  with  Natalie  fitting  her  words  round  a  circular  jangle  in  the  same  way   and  there's  a  nice  acoustic  guitar  solo  from  Buck.

Side  One  closes  with  "Headstrong"  where  Merchant  stridently  declares  that  she  won't  be  changed  by  anything  her  lover  says  or  does. The  sentiment  is  matched  by  her  vocal  tone  and  the  uncompromising  guitar  squall  and  pounding  rock  drums  reminiscent  of  Peter  Gabriel. Again  it's  hampered  by  the  lack  of  a  good  tune.

Thankfully  Side  Two  is  stronger  by  some  distance. "Poison  In  The  Well"  addresses  the  issue  of  water  pollution  and  the  complacency  of  the  water  companies  involved. While it's  still  over-wordy  it  has  a  good  driving  riff ,  brisk  drumming  and  a  decent  tune.

Then  they  pull  out  an  absolute  cracker. "Dust  Bowl "  is  a  contender  for  their  ( or  anybody's really )  best  song ever. Drew  and  Augustyniak  sit  it out  and  with  only  minimal  bass  it's  just  Merchant  singing  over  Buck's  delicate  guitar  riff. The  lyric  looking  at  poverty  from  a  mother's  point  of  view  cuts  deep  and  Merchant's  vocal  balancing  anger  and  tenderness  is  a  masterpiece  of  control.

"The  Lion's  Share " seems  to  be  about  an  African  dictator  fleecing  his  people; there  were  plenty  to  choose  from  in  1989. It  has  an  attractive  tune  and  arrangement  but  it's  very  close  to   being   a  mellowed-out  "Don't  Talk ".

The  last  two  tracks  are  more  ambitious.  The  clumsily-titled  "Hateful  Hate "  begins  with  a  portentous  little  overture  from  Drew  before  the  drums  kick  in  and  power  a  diatribe  about  the  West's  rape  of  Africa  packing  slavery, missionary  activity  colonialism  and  ivory  poaching  into  its  four  and  a  half  minutes. The  attack  is  relentless  and  bolstered  by  a  cast  of  string  players  in  the  latter  half  of  the  song  to  add  to  its  nightmarish  quality. It's  one  of  those  songs  that  you  don't  always  want  to  listen  to  but  have  to  admire  for  its  ferocity.

"Jubilee"  is  a  Merchant  solo  composition  and  as  with  "Verdi  Cries"  on  the  previous  LP  she  drops  the  rest  of  the  band  and  brings  in  some  guest  players  to  accompany  her  on  a  slow dark  tale  of  a  mentally  disturbed  church  janitor  who  burns  down  the  building  on  seeing  some  inter-racial  dancing.  She  has  the  sense  to  vary  the  arrangement  with  each  verse  , a  bit  of  harpsichord  here  , a  bit  of  cello  there, but  even  so  it's  a  tad  too  long  at  six  minutes. The  last  verse  with  its  screeching  strings  is  genuinely  frightening  and  a  stark  conclusion  to  the  LP.

It  was  always  a  tall  ask  for  this  to  match  "In  My  Tribe"  ( although  its  best  tracks  do )  and  I  don't  want  to  give  the  impression  that  it's  a  bad  record. It's  a  good  album  that  doesn't  reach  the  same  heights  as  its  predecessor  ( commercially  it  outperformed  IMT )   and  consequently  doesn't  get  played  as  much.

122 Eponymous - REM

Purchased  :  April  1989

Tracks :  Radio  Free  Europe / Gardening  At  Night / Talk  About  The  Passion / So.  Central  Rain / Rockville / Can't  Get  There  From  Here / Driver  8 / Romance / Fall  On  Me / The  One  I  Love / Finest  Worksong / It's  the  End Of  The  World

This  was  the  next  purchase  from  Britannia. You  may  have  noticed  above  that  there  was  a  bit  of  a  gap  since  the  last  one  and  there  is  a  story  behind  that. After  umming  and  aahing  throughout  1988,  in  January  1989  I  bought  my  first  car,  an ex-army  left  hand  drive  Vauxhall  Chevette  estate  for  £550. Coming  home  from   its   first  away  trip  to  Doncaster  in  early  February  I  crashed  it  in  Barnsley  where  I  mistook  a  green  light  signifying  the  end  of  a  pedestrianized  period  for  the  way  ahead  and  cut  straight  across  another  vehicle  as  our  road  actually  swung  sharply  left. In  mitigation  the  road  markings  were  a  little worn  at  that  point  as  well. As  I'd  only  bought  fire,  third  party  and  theft  insurance  I  had  to  pay  half  the  purchase  price  again  to  get  it  repaired  which  put  me  briefly  into  an  overdraft  situation  so  LP  buying  had  to  stop  for  a  short  while. As  a  nice  postscript  my  two  companions  Carl  and  Sean  who  didn't  know  each  other  before  that  day  bonded  over  the  trauma  and  were  friends  for  years  afterwards.

OK,  on  to  REM. This  is  the  first  chapter  in  a  story  that  only  ended  fairly  recently  and  so  another  landmark  purchase.  I think  I  first  heard  the  odd  track  on  David  Jensen  in  the  early  eighties  but  they  really  came  to  my  attention  in  1984  when  a  guy  in  my  Hall  of  Residence  called  Mike  Hughes  started  raving  about  them  particularly  after  their  gig  at  the  Refectory  that  spring. Mike  was  a  Stalinist  NME reader  who  liked  whatever  they  told  him  was  good  and  vice  versa  ( When  I  first  came  across  Marcello  Carlin  on  Popular   I  thought  it  might  be  Mike  writing  under  a  pseudonym ). After  he'd  trashed  Talk  Talk  I  wasn't  going  to  listen  to  any  of  his  recommendations  and  the  following  year  Andy  Kershaw  arrived  on  Whistle  Test  and  included  them  in  his  list  of  bands  you  should  hear. So  now  there  were  two  barriers  to  appreciating  REM. What  changed  were  the  two  1987  singles  "It's  The  End  Of  The  World  As  We  Know  It"  and  "The  One  I  Love "  which  I  heard  on  The  Chart  Show   and  loved  and  it  was  on  the  strength  of  those  that  this  was  purchased.

"Eponymous"  is  a  sort  of  "Greatest  Hits" ( if  they'd  had  any ) album  marking  the  end  of  their  association  with  IRS  after  five  albums  and  their  signing  for  Warners  in  a  big  bucks  deal. Ironically  they  were  just  beginning  to  break  through  to  a  bigger  audience  as  well; "The  One  I  Love " was  their  first  flirtation  with  the  British  charts. The  break  seems  to  have  been  amicable  enough; it's  clear  from  the  sleeve  that  the  band  were  willing  participants  in  this  exercise  although  Warners  can't  have  been  too  thrilled  that  it  was  released  just  a  month  before  the  band's  first  album  on  their  label.  The  tracks  are  roughly  in  chronological  order  so  you  can  follow  their  progress  from  student  peddlers  of  wilfully  obtuse  Americana   to  stadium  rockers  in  waiting.

I  have  a  decision  to  make  now  on  writing  about  early  REM. I  bought  Marcus  Gray's  It  Crawled  From  The  South   in  1992,  an  exhaustive  tome  which  manfully  attempts  to  get  to  the  heart  of  all  the  band's  music  up  to  that  point  even  where  the  band  themselves  claimed  that  the  "lyrics"  were  phonetic  nonsense. I'd  sooner  the  blog  was  "all  my  own  work"  but  then it  seems  pigheaded  to  ignore  such  a  useful  source  of  insight.  Let's  see  how  we  go.

The  album  starts  right  at  the  beginning  of  their  career  with  the  original  version  of  "Radio  Free  Europe"  as  released  on  the  independent  label  Hib-Tone  in  1981  making  it  the  US  equivalent  of  New  Rose.  Some  took  it  as  a  protest  about  the  tyrannical  conservatism  of  US  rock  radio  but  it's  actually  a  quizzical  song  about  the  radio  station  set  up  during  the  Cold  War  to  broadcast  propaganda  to  the  Eastern  Bloc. Michael  Stipe's  lyrics  are  usually  elliptical   and  this  one's  full  of  non-seqiteurs  although  you  could  argue  that  it  represents  the  babble  of  a  radio  station  that  was  always  getting  jammed. The  influence  of  English  New  Wave  is  apparent  in  the  music  with  Mike  Mills's  pulsing  bass  and  Bill  Berry's  crisp  drumming  making  it  sound  like  an  early  Cure  song  although  Stipe's  mumbled  diction  isn't  really  comparable  to  anyone  else.

"Gardening  at  Night"  was  the  lead  track  on  their  first  release  for  IRS  the  "Chronic  Town"  EP  in  1982.  The  first  few  bars  sound  like  New  Order's  Ceremony  but  abruptly  Peter  Buck's  guitar  switches  to  a  melodic  Byrdsian  riff   and  REM's  trademark  sound  is  born. It's  driven  along  by  Berry's  punchy  drumming  save  for  two  quiet  passages  when  he  marks  time  with  rimshots. Berry  has  said  it  was  inspired  by  another  member  using  the  phrase  as  a  euphemism  for  needing  a  leak  when  they  were  driving. There  are  a  number  of  different  interpretations  to  the  song  but  I  think  it's  a  general  metaphor  for  a  hopeless  undertaking  and  the  mournful  melody  supports  that.

"Talk  About  the  Passion"  is  from  their  debut  LP  "Murmur"  and  like  many  of  their  early  songs  it  has  only  one  repeating  verse  for  hypnotic  effect. It's  a  mid-paced  jangly  pop  song  with  a  fat  bassline  and  hummed  backing  vocals  from  Mills  and  in  the  latter half  of  the  song  some  cello  and  violin  to  fill  out  the  sound. The  words , relatively  clear  here , seem  to  be  expressing  doubt  about  the  liberal  conscience  shared  by  all  four  members- "Not  everyone  can  carry  the  weight  of  the  world".

The  next  two  tracks  are  from  second  LP  "Reckoning". "So. Central  Rain"  is  a  chiming  folk-pop song  beefed  up  by  Berry's  powerful  drumming. It's  a  break-up  song  with  Stipe  mumbling  through  the  verses  before  an  agonised  cry  of  "I'm  Sorry"  by  way  of  a  chorus. The  coda  with  Stipe  wailing  wordlessly  over  violent  keyboard  stabs  emphasises  the  turmoil  at  the  heart  of  the  song.

"( Don't  Go  Back  To ) Rockville"  is  untypical  of  their  early  work  in  its  lyrical  simplicity. It's  an  unambiguous  plea  from  Mike  Mills  ( though  Stipe  sings  it ) to  a  female  student  in  Athens   not  to  return  to  her  home  town. Although  a  little  mean-minded  in  parts  "You'll  wind  up  in  some  factory "  the  naked  honesty  is  palpable  and  it's  set  to  a  lilting  country  rock  backing  with  a  rousing  chorus.  It's  just  a  shame  it's  not  been  a  hit  for  anyone  as   it  would  be  so  easy  to  substitute  "Rochdale"  into  the  title  and  sing  it  at  any  ex-manager  or  unpopular  ex-player  we  came  across.

"Can't  Get  There  From  Here " was  a  single  release  from  their  third  and  most  demanding  album  "Fables  Of  The  Reconstruction".  The  lyrics  are  a  daunting  challenge  with  cryptic  references  to  band  friends  and  places  but  the  general  message  seems  to  be  Athens  is  a  good  place  to  sort  your  head  out. The  chorus  has  overlapping  lines  with  Stipe  singing  the  title  while  Mills  confidently  asserts   "I've  been  there  I  know  the  way". The  music  admits  some  new  influences  with  Buck  playing  some  clipped  funk  guitar  in  the  verses  and  the  horns  in  the  chorus  suggesting  Stax.

Side  Two  commences  with  "Driver  8",  also  from "Fables"  and  an  absolute  belter. Buck  lays  down  one  of  his  best  ever  riffs  to  lead  into  a  train  song   that  drips  with  Southern  Gothic  atmosphere. On  one  level  it's  just  an  impressionistic  poem  about  the  sights  to  be  seen  from  a  locomotive  cab (  shades  of  Jimmy  Webb  at  his  best ) but  the  music  infuses  it  with  palpable  dread. What  exactly  is  the  driver  taking  a  break  from  and  where's  the  destination ? One  of  their  very  best  songs.

I  can't  say  that  about  "Romance", originally  a  Murmur  outtake  but  re-recorded  in  1986  for  the  forgotten  film  Made  In  Heaven. The  pounding  drums  and  angular  bassline  on  the  verses  are  reminiscent  of  Drums  and  Wires  era  XTC  and   while  the  chorus  is  more  recognisably  REM  it's  not  one  of  their  strongest. This  is  also  one  of  their  songs  where  the  band's  claim  that  the  lyrics  have  no  meaning  rings  most  true.

"Fall  On  Me"  is  the  only  track  from  fourth  album  "Life's  Rich  Pageant". When  they  played  it  on  Unplugged  in  1991  Stipe  introduced  it  as  his  personal  favourite  and  he's  not  far  wrong.  It's  almost  a  duet  between  Stipe  and  Mills  with  the  latter  singing  a  counter-melody  during  the  second  verse  and  taking  over  the  bridge. It  started  out  as  a  song  about  acid  rain  and  then  became  about  aggressive  capitalism -"Buy  the  sky  and  sell  the  sky "  generally. The chorus  is  anthemic  with  Berry's  drums  punching  the  title  home.

The  album  concludes  with  the  three  singles  from  their  final  IRS  album  "Document"  which  saw  them  start  to post  serious  sales  figures. "The  One  I  Love "  made  their  first  mark  on  the  UK  singles  chart   reaching  number  51  at  the  tail  end  of  1987  ( and  16  on  re-release  in  1991 ). The band  have  mentioned  10cc  in  interviews  and  this  song  reverses  the  message  of  I'm Not  In  Love  ; where  Stewart's  feeble  denials  emphasised  how  deep  he  was  in  , Stipe's  coldly  drawled  "a  simple  prop  to  occupy  my  time"  destroys  the  idea  that  the  song  is  any  sort  of  dedication  as  if  Buck's   incendiary  churning  guitar   wasn't  evidence  enough.

"Finest  Worksong"  actually  got  one  place  higher  in  the  UK  although  it's  nowhere  near  as  familiar a  song. It's  heavily  indebted  to  the  Velvet  Underground  built  around  a  circular guitar  figure  that  mirrors  the  grind  of  the  average  working  day. Stipe  always  keeps  his  politics  close  to  his  chest  but  the  line  "Throw  Thoreau  and  rearrange "  suggests  he's  not  advocating  just  dropping  out  as  a  solution.

"It's  The  End  Of  The  World  As  We  Know  It  ( And  I  Feel  Fine ) " is  their  update    on  Subterranean  Homesick  Blues   with  a  parade  of   stream  of  consciousness   images  and  phrases  delivered  at  breakneck  speed  by  Stipe  with  the  aid  of  Mills  before  a  killer  of  a  chorus.  Different  interpretations  abound  but  I  tend  to  favour  it  being  a  pre-Coupland  critique  of  the  MTV  generation  and   its  political  apathy.  From  Berry's  introductory  drum  roll  to  the  false  ending  it's  the  most  exciting  song  in  their  repertoire  and  a  great  way  to  finish  off  a  superb  compilation.

121 Julia Fordham - Julia Fordham

Purchased  :  January  1989

Tracks : Happy  Ever  After / The  Comfort  Of  Strangers / Few  Too Many / Invisible  War / My  Lover's  Keeper / Cocooned / Where  Does   The  Time  Go / Woman  Of  The  80s / The  Other  Woman / Behind  Closed  Doors / Unconditional  Love 

Actually  I  must  have  told  a  lie  on  the  last  post  as  this  one  came  from  Britannia  as  well  so  it  must  have  been  a  buy  one  get  two  half  price offer.

Here  we  have  another  forgotten  female  singer-songwriter  from  the  late  eighties. This  is  an  entirely  self-written  album  though  there's  a  huge  cast  list  of  supporting  musicians, a  fair  few  of  whom  were  on  Infected  including  David  Palmer  though  he's  only  on  one  track. Julia  herself  served   time  as  a  backing  singer  for  Mari  Wilson  and  Kim  Wilde  before  cutting  a  solo  deal  with  Circa  Records. This  was  her  debut  LP  released  in  the  summer  of  1988.

This  was  largely  bought  on  the  strength  of  the  Top  40  hit  "Happy  Ever  After" which  kicks  off  proceedings. It's  an  interesting  song  that  slips  from  personal  to  political  dissatisfaction ( over  apartheid ) halfway  through  and   the  sound  gradually  fills  up  aided  by  Grant  Mitchell's  crisp  production. It's  a  percussion-driven  track  with  a  similar  tempo  to  Terence  Trent D'Arby's  Sign  Your  Name  and  Peter  Gabriel's  Biko  is  another  obvious  influence. I  don't  have  the  technical  vocabulary  to  describe  Julia's   deep  and  rich  voice ; it's  probably  closer  to  a  jazz  voice  than  pop. She  actually  drops  out  of  the  song  towards  the  end  allowing  Afrodisiak  to  chant  it  to  a  close.

The  single  that  preceded  it  was  "The  Comfort  Of  Strangers"   which  has  an  interesting  confessional  lyric  about  looking  for  casual  sex. Unfortunately  it's  set  to  the  blandest , formulaic,  late  80s  pop  arrangement  this  side  of  Climie  Fisher. Julia's  vocal  style  isn't  exactly  suited  to  the  subject  matter  either. With  no  real  hook  it  wasn't  a  hit. Bowie  sideman  Carlos  Alomar  adds  some  interest  with  his  intricate  guitar  work  but  it's  not  enough.

The  same  problem  is  even  more  evident  on  "Few  Too  Many"  which  sets  lyrics  like  "My  appetite  for  anger  is  really  ravenous"  to  a  soporific  supper  club  arrangement  , all  languid  fretless  bass  and  tasteful  percussion, worthy  of  Sade  at  her  most  boring.

"Invisible  War"  is much  much  better, a  piano  ballad  with  mature  lyrics  about  a  failing  relationship. It  has  a  strong  mournful  melody  and  Julia  sings  it  with  beautiful  control. 

"My  Lover's  Keeper"  is  a  very  busy  piece  of  pop  funk  with  Palmer's  firm  drumming  and  Luis  Jardim's  chattering  percussion  keeping  it  moving. While  I  was  writing  that  last sentence  I  was  struggling  to  think  who  it  reminded  me  of  and  I  realise  now  it's  Living  In  A  Box  particularly  the  chorus  with  its  blaring  brass.  Underneath  the  bluster  it's  not  a  very  strong  song  with  Julia's  lyrics  back  of  an  envelope  standard.

"Cocooned"  is  languid  and  jazzy  with  the  piano  wandering  about  while  Julia  emotes  fretfully  about  whether  her  relationship  is  cutting  her  off  from  the  world. It's  not  very  well  expressed  and  the  tune's  forgettable.

"Where  Does  The  Time  Go ?"  fell  one  place  short  of  the  Top  40  in  February  1989. The  title  is  self-explanatory ( and  repeated  often  enough  for  near-hit  status ) but  the  rhymes  are  a  bit  chocolate  box  - "reasons/ seasons", "worrying/hurrying" . The  music  is  glossy  but  vapid; the  main  interest  is  in  how  much  guest  vocalist  John O'Kane  sounds  like  Michael McDonald (a  lot ).

The  most  talked about  track  - at  least  at  the  time - follows  next.  When  it  comes  to  making  a  rod  for  your  own  back , titling  a  song  on  your  debut  LP  "Woman  Of  The  80s"  takes  some  beating  and  I  seem  to  recall  it  being  brought  up  in  a  number  of  her  subsequent  reviews.  As  a  feminist  anthem  it  falls  somewhere  between  I  Am  Woman  and  Sheena  Easton's  Modern  Girl ; Julia  asserts  that  she  won't  call  her  man  but  admits  that  she  misses  him.  Musically  it's  more  of  that  jittery  Living  In  A  Box  pop-funk ) , spunky  but  lacking  any  pop  hooks. Hence. as  the  follow-up  single  to  "Happy  Ever  After"  it  flopped.

"The  Other  Woman" is  a  downbeat  rumination  on  being  someone's  mistress  that  sounds  vaguely  like  Alison  Moyet's  All  Cried  Out  without  the  big  chorus. Ghosts  from  earlier  in  the  decade  , former  Belle  Starr  Clare  Hirst  on  sax  and  Julia's  former  employer  Mari  Wilson  on  backing  vocals  help  out  but  in  neither  case  is  their  contribution  very  noticeable.

"Behind  Closed  Doors "  is  another  piano  ballad  but  it  re-uses  the  melody  from  "Woman  Of  The  80s  and  ends  just  as  it  seems  to  be  building.

"Unconditional  Love"  re-locates  that  pop-funk  sound  to  close  out  the  LP.  The  song  takes  second  place  to  the  groove  and  mainly  consists  of  a  rather  bludgeoning  chant  of  the  title.

Well, two  good  tracks  out  of  eleven  isn't  enough  for  me  so  my  interest  in  Julia  ended here. She  hung  around  long  enough  to  chalk  up  a  Top  20  hit  with  the  forgettable  "(Love  Moves ) In  Mysterious  Ways"  in  1992  but  like  many  other  artists  of  this  period  she  was  buried  by  Britpop ( arguably  a  more  effective  scouring  agent  than  punk), and  hasn't  troubled  the  charts  since.